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Séminaire Doctoral Commun Paris I / Paris IV

Séminaire Doctoral Commun Paris I / Paris IV

L’Œuvre à l’épreuve du texte

2016 – 2017

Equipe organisatrice :
Elliot ADAM, doctorant, Université Paris-Sorbonne (Paris Sorbonne – Paris IV)
Marie BOISSEAU, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Panthéon Sorbonne – Paris 1)
Lydia HAMITI, doctorante, Université Paris-Sorbonne (Paris Sorbonne – Paris IV)
Alice OTTAZZI, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Panthéon Sorbonne – Paris 1)

Pour sa huitième année consécutive, le séminaire doctoral commun aux universités Paris 1 et Paris IV envisage la perméabilité des liens entre les œuvres et les textes. « L’œuvre à l’épreuve du texte », le thème retenu cette année, propose de considérer le texte selon trois angles d’approche distincts, complémentaires et identifiables au travers des notions de médium, de forme et d’outil.
De nombreux artistes se sont intéressés à l’écriture ; leurs écrits théoriques ou littéraires et leurs bibliothèques en témoignent. Dans cette optique, il convient de distinguer la place de l’écriture dans l’œuvre : est-ce une occupation annexe à l’activité artistique ou bien intègre-t-elle pleinement le processus créatif ? Les traités, essais, correspondances et manifestes seront mis à contribution afin de discuter ces propositions.
Également entendu comme un objet plastique, pourvu de lettres, le texte peut prendre une part active à l’œuvre à laquelle il est intégré. Les rapprochements formels et stylistiques des textes et des œuvres, observables grâce aux lignes ou à l’insertion de l’écriture dans l’art (estampe, dessin, peinture, sculpture, etc.) nous intéressent particulièrement. Cette présence du texte, notamment par le biais du titre et de la signature, s’objective au point de créer de nouvelles disciplines, telle la génétique. La mise en image des textes participe enfin de cette dynamique : les lectures iconographiques, privilégiant une approche comparative, inscrivent le rapport de l’image au texte selon différentes modalités. Il convient dès lors de distinguer leurs statuts respectifs : doit-on parler d’une subordination de l’image ou texte ou, au contraire, d’une équivalence de l’écrit et du figuré ?
Ces apports historiographiques, constitutifs de nos lectures des œuvres, sont aussi déterminés par l’étude de la réception critique pensée au moyen d’appareils discursifs appropriés. Qu’apporte l’acte d’écrire à l’expérience du regard ? Comment les écrivains ont-ils commenté l’art ? De quelle façon les textes interfèrent dans notre appréhension des œuvres ? Comment répondre aux enjeux de la censure, de lisibilité et de l’illisibilité ainsi qu’au problème de l’accès aux sources? En ouvrant possiblement sur le théâtre, la performance ou encore le cinéma, quelles sont les porosités entre les arts du temps et de l’espace ? Ce sont là quelques-uns des axes, non exhaustifs, que nous vous proposons d’aborder cette année.

Programme

12 janvier 2017, 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert

Emilie ROBERT (Université Paris 1)
L’usage du texte dans l’art conceptuel : enjeux, limites et perspectives
Anthi-Danaé SPATHONI (Université Rennes 2)
Cy Twombly, entre écrire et dessiner

9 février 2017, 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert

Emeline SALLÉ DE CHOU (Université Paris 1)
Enluminures du XVIe siècle. Du texte comme addendum exégétique au texte comme composant actif d’une œuvre apotropaïque
Cathleen ROBITAILLE (Université Paris 1)
Montrer l’indicible, illustrations fantastiques au XIXe siècle

9 mars 2017
, 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert

Johannes SCHWABE (Université Paris 1 / Berlin, Humboldt Universität)
« Faute d’une langue universelle … » La relation entre image et texte dans le genre de la description de tableau au XVIIe siècle. Une étude de cas autour d’Henri Testelin
Ginevra ODONE (Nancy, Université de Lorraine/Rome, La Sapienza)
Quand le sujet de la recherche en histoire de l’art n’est pas l’objet artistique
Marie BOISSEAU (Université Paris 1)
Quand y a-t-il Pietà ?

13 avril 2017
, 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert

Magdalena SAWCZUK (Université Paris IV)
L’orphisme entre échanges et rivalités. Les artistes russes et américains contre le milieu parisien
Jean-Rémi TOUZET (Université Paris-Ouest-Nanterre-La-Défense)
Les modèles littéraires de Gerhard Richter pour penser la création artistique dans l’histoire

11 mai 2017 (en partenariat avec l’EHESS), 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert
Clara GUISLAIN (Université Paris 1)
Discours sur la forme, forme du discours. Fonctions et statuts de l’écrit d’artiste chez Mike Kelley
Benoît JODOIN (EHESS/Université du Québec à Montréal )
Faire usage des savoirs. Etude sur la présence des textes d’idées dans l’art contemporain
Sandy BERTHOMIEU (Université Montpellier III)
Création et enjeux de l’expression de l’œuvre d’art à travers les réseaux sociaux

8 juin 2017, 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert

Barbara JOUVES (Université Paris 1)
Ecriture et restauration des peintures aux XVIIIe et XIXe siècles. La recherche d’une pérennité de l’objet ?
Laetitia PICHEAU (Université Paris 1)
L’écriture pour une restauration  fantasmée de la galerie François Ier

Appel à communication / Séminaire Doctoral Commun Paris I / Paris IV – année 2016-2017

Appel à communication / Séminaire Doctoral Commun Paris I / Paris IV

L’Œuvre à l’épreuve du texte

2016 – 2017

Date limite pour envoyer une proposition : 23 novembre 2016

Pour sa huitième année consécutive, le séminaire doctoral commun aux universités Paris 1 et Paris IV envisage la perméabilité des liens entre les œuvres et les textes. « L’œuvre à l’épreuve du texte », le thème retenu cette année, propose de considérer le texte selon trois angles d’approche distincts, complémentaires et identifiables au travers des notions de médium, de forme et d’outil.

De nombreux artistes se sont intéressés à l’écriture ; leurs écrits théoriques ou littéraires et leurs bibliothèques en témoignent. Dans cette optique, il convient de distinguer la place de l’écriture dans l’œuvre : est-ce une occupation annexe à l’activité artistique ou bien intègre-t-elle pleinement le processus créatif ? Les traités, essais, correspondances et manifestes seront mis à contribution afin de discuter ces propositions.

Également entendu comme un objet plastique, pourvu de lettres, le texte peut prendre une part active à l’œuvre à laquelle il est intégré. Les rapprochements formels et stylistiques des textes et des œuvres, observables grâce aux lignes ou à l’insertion de l’écriture dans l’art (estampe, dessin, peinture, sculpture, etc.) nous intéressent particulièrement. Cette présence du texte, notamment par le biais du titre et de la signature, s’objective au point de créer de nouvelles disciplines, telle la génétique. La mise en image des textes participe enfin de cette dynamique : les lectures iconographiques, privilégiant une approche comparative, inscrivent le rapport de l’image au texte selon différentes modalités. Il convient dès lors de distinguer leurs statuts respectifs : doit-on parler d’une subordination de l’image ou texte ou, au contraire, d’une équivalence de l’écrit et du figuré ?

Ces apports historiographiques, constitutifs de nos lectures des œuvres, sont aussi déterminés par l’étude de la réception critique pensée au moyen d’appareils discursifs appropriés. Qu’apporte l’acte d’écrire à l’expérience du regard ? Comment les écrivains ont-ils commenté l’art ? De quelle façon les textes interfèrent dans notre appréhension des œuvres ? Comment répondre aux enjeux de la censure, de lisibilité et de l’illisibilité ainsi qu’au problème de l’accès aux sources? En ouvrant possiblement sur le théâtre, la performance ou encore le cinéma, quelles sont les porosités entre les arts du temps et de l’espace ? Ce sont là quelques-uns des axes, non exhaustifs, que nous vous proposons d’aborder cette année.

Cet appel à communication s’adresse aux doctorants de toutes les disciplines (histoire de l’art, littérature, etc.), dans une dimension transversale et diachronique et sans condition géographique. Indépendamment de l’avancement de leur thèse, sont invités tous ceux qui souhaitent partager et approfondir, d’un point de vue méthodologique, certaines problématiques rencontrées lors de leurs recherches.

• MODALITÉS DE PARTICIPATION

Les propositions de communication (2000 signes environ) sont à envoyer à l’adresse suivante : seminairedoctoralcommun@gmail.com avant le 23 novembre 2016. Les communications auront une durée approximative de trente minutes. Nous vous remercions de préciser vos disponibilités au cas où vous ne pourriez être présents lors d’une des séances détaillées dans le calendrier ci-dessous.

• ÉQUIPE ORGANISATRICE

Marie BOISSEAU, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Panthéon Sorbonne – Paris I)
Lydia HAMITI, doctorante, Université Paris-Sorbonne (Paris Sorbonne – Paris IV)
Alice OTTAZZI, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Panthéon Sorbonne – Paris I)

DATES DES SÉANCES

Toutes les séances se tiendront le jeudi de 18h à 20h, dans la salle Jullian, Galerie Colbert, 1er étage (2 rue Vivienne, 75002 Paris).

Séance 1 : 08 décembre 2016

Séance 2 : 12 janvier 2017

Séance 3 : 09 février 2017

Séance 4 : 09 mars 2017

Séance 5 : 13 avril 2017

Séance 6 : 11 mai 2017

Séance 7 : 08 juin 2017

Le séminaire sera clôturé par une journée d’étude organisée au mois de juin 2017.

Séminaire doctoral commun Paris I – Paris IV – Programme 2015-2016

Nous avons le plaisir d’annoncer le lancement de la septième édition du Séminaire doctoral commun Paris 1 – Paris 4 pour l’année 2015-2016. Vous trouverez ci-dessous le thème de l’année, l’appel à communication et le calendrier des séances.

 

La séance du lancement aura lieu jeudi prochain, le 12 novembre 2015, de 18h à 20h dans la salle Jullian.

Pour rappel, c’est un séminaire méthodologique mensuel, porté par les doctorants pour les doctorants, avec le soutien des deux plus grandes Ecoles doctorales d’histoire de l’art en France. Pour information, le séminaire peut être validé dans l’axe 3 (« Outils et méthodologie ») du parcours doctoral de l’ED 441.

APPEL A COMMUNICATION
SEMINAIRE COMMUN PARIS 1 / PARIS IV
2015 – 2016

COMPARAISON EST-ELLE RAISON ?
Approches comparatives en histoire de l’art

http://seminairedoctoralp1p4.wordpress.com

Affiche Séminaire doc_ commun_2015-2016

« Il n’y a rien que l’esprit humain fasse si souvent, que des comparaisons […]. Par tous ces examens il tâche de découvrir les relations que les objets ont entre eux », écrit le Chevalier de Jaucourt dans l’article « Comparaison » de l’Encyclopédie.
Pour la septième année consécutive, les écoles doctorales d’histoire de l’art des universités Panthéon-Sorbonne (Paris-I) et Paris-Sorbonne (Paris-IV) organisent le séminaire doctoral commun, à destination de tous les doctorants de cette discipline. Il se veut l’occasion de réflexions méthodologiques concernant les principaux aspects du projet de thèse, de la recherche à la soutenance voire au-delà.
Cette année, nous nous interrogerons sur l’emploi des approches comparatives. D’un outil d’identification à la formation d’un système de pensée visuel, la comparaison semble indissociable de l’étude des images et nécessaire au chercheur qui s’intéressent à elles. Distinguer le vrai d’un faux, déterminer l’auteur d’une œuvre, comprendre l’inventivité stylistique d’un artiste ou d’un courant, ou encore définir les composantes iconographiques d’une époque sont autant d’ambitions qui exigent d’y recourir.
Nous trouvant aujourd’hui en plein décloisonnement des champs disciplinaires, et semblant plus éloignés d’une pratique systématique de la méthode comparative, nous n’en sommes pas moins les héritiers. Il nous revient ainsi de nous demander dans quelle mesure ce réflexe cognitif touche à son but : existe-t-il une science historique des images ? Quelles caractéristiques formelles peut-on soumettre à la comparaison ? Selon quels critères ? Toutes les images, tous les contextes de création, de diffusion, de réception sont-ils comparables ? Jusqu’à quel point ce mode de pensée a-t-il valeur d’argument objectif ? À quel moment sommes-nous contraints de recourir à d’autres méthodes ?
Ce sont ces questions et bien d’autres que, sans restriction de sujets et de corpus, de périodes et de genres, nous souhaiterions soulever.

Modalités de participation
Date limite de réponse pour participer au séminaire : 20 décembre 2015
Les propositions de communication (350 mots maximum) sont à envoyer à l’adresse suivante : seminairedoctoralcommun@gmail.com avant le 20 décembre  2015, merci de préciser la séance à laquelle vous souhaitez participer. La communication durera entre 20 et 30 minutes et nous publierons en ligne un texte synthétique de votre intervention (merci de nous le fournir dans les 15 jours suivant la séance (5 – 7 pages))

*  ÉQUIPE ORGANISATRICE
Sung Moon Cho, doctorante, Université Paris-Sorbonne (Paris-IV)
Marion Grébert, doctorante, Université Paris-Sorbonne (Paris-IV)
Clémence Legoux, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Paris-I)
Claire Van Seters, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Paris-I)

Toutes les séances se tiendront de 18h à 20h.
Galerie Colbert — INHA
Salle Jullian, 1er étage
2, rue Vivienne 75002 Paris

PROGRAMME DU SEMINAIRE COMMUN PARIS I / PARIS IV

SEANCE 1 : LA COMPARAISON COMME MOTEUR DE L’ANALYSE DES ŒUVRES – 10 DECEMBRE 2015
Le travail de l’historien de l’art a été analysé, décortiqué : il en ressort une énumération d’étapes aboutissant à une interprétation de la signification de l’oeuvre et de son sujet. Cette méthode d’analyse iconographique et iconologique a été théorisée, notamment par Aby Warburg et Erwin Panofsky. Dans le cadre de cette analyse nous sommes amenés à mettre en relation une œuvre avec un sujet, des œuvres au projet iconographique commun, des artistes, des techniques, en somme des objets d’étude inscrits dans un cadre spatio-temporel spécifique. En outre, la survivance de l’iconologie peut être perçue dans les recherches sur les liens entre une œuvre plastique et une œuvre littéraire, thématique que nous accueillerons avec grand intérêt.

SEANCE 2 : ANALOGIE ET SIMILITUDES, LA COMPARAISON COMME OUTILS DE PERSUASION – 14 JANVIER 2016
Selon Charlotte Guichard, « la reconnaissance de l’oeuvre est le produit d’une comparaison entre les peintres, dans un jeu d’analogies et de similitudes  ». De fait, l’usage de la comparaison semble bien ancré dans la tradition du connoisseurship, tradition dont nous aimerions questionner la survivance actuelle, entre fantasme et efficacité savante. Notre deuxième séance permettra alors d’étudier la comparaison comme preuve dans les domaines particuliers que sont les attributions, l’expertise et le travail du connoisseurship, les études de corpus disparus, les études monographiques.

SEANCE 3 : OBJETS ET OBJECTIVITE DE LA PENSEE COMPARATIVE – 11 FEVRIER 2016
En prenant la question à rebours, nous nous demanderons de quelle façon la production, la signification ou l’interprétation des images peuvent être a priori déterminées par l’esprit de comparaison lorsque celui-ci se caractérise par sa propension à mêler différents régimes de représentation. On pense notamment aux transferts entre images artistiques et images scientifiques (dans les sciences dures et naturelles, la médecine, la phrénologie ou encore la physiognomonie). Nous pourrons ainsi interroger la pertinence des distinctions entre le vrai et le beau, le discursif et le visuel, et aborder les méthodes systématiques de l’art élaborées par Jacob Burckhardt, Aby Warbug ou Heinrich Wölfflin.

SEANCE 4 : LA DISPOSITION DES ŒUVRES DANS L’ESPACE MUSEAL – 10 MARS 2016
Le voisinage des œuvres dans un lieu n’est pas sans incidence pour l’œil du visiteur, pour qui la comparaison devient obligation : simple juxtaposition, confrontation ou dialogue. Des premiers Salons aux scénographies les plus actuelles, nous nous demanderons comment l’accrochage et la mise en espace en viennent à constituer, en termes historiques, génériques et formels, une interprétation des œuvres exposées et comment l’élaboration de cette interprétation prend place dans le travail du chercheur. Nous souhaitons également que cette séance soit l’occasion d’aborder les études récentes sur la comparaison des expositions. Les doctorants-commissaires seront en outre les bienvenus.

SEANCE 5 : LA PENSEE COMPARATIVE DANS LES DISCOURS SUR L’ART – 14 AVRIL 2016
Que ce soit dans les Vies des artistes…, rédigées par Giorgio Vasari au XVIe siècle, dans la préface des Conférences de l’Académie écrite par André Félibien en 1667, ou encore dans l’Art et les Arts où Theodor W. Adorno évoque l’effrangement des arts exactement trois siècles plus tard, les discours sur l’art sont jalonnés de réflexions visant à construire ou à déconstruire des catégories d’art.
Lors d’approches contextuelles, nous sommes inévitablement confrontés à ces discours qui orientent parfois notre interprétation des oeuvres. C’est pourquoi nous vous invitons ici à intervenir sur ces textes et les difficultés qu’ils posent afin de voir s’ils contiennent, de façon implicite ou explicite, des systèmes comparatifs ayant pu nourrir la présence ou le rejet d’une catégorisation.

SEANCE 6 : LA QUESTION DU GOUT – 12 MAI 2016
La question du goût est de plus en plus présente dans l’histoire de l’art, qui tend à prendre en compte des aspects sociologiques et économiques. Comment mesurer les données de comparaison fluctuantes qui jouent sur la valeur d’une œuvre ou sur la fortune d’un artiste ? Quelles sont les voies par lesquelles un style se diffuse et devient dominant ? Cette séance invite tous ceux qui s’intéressent à l’histoire du goût et à ses acteurs tels que les musées et institutions culturelles, Salons, critiques, commanditaires, collectionneurs et marchands…

SEANCE 7 : LE NUMERIQUE, CONCRETISATION DU « MUSEE IMAGINAIRE » – 9 JUIN 2016
Aujourd’hui, les outils numériques permettent l’accumulation incommensurable d’images dans un espace virtuel, semblant donner vie à des utopies imaginées par des historiens ou des passionnés d’art. Tout en paraissant faciliter le processus comparatif, le numérique nous oblige cependant à réinventer cette pratique en cherchant les moyens d’associer le qualitatif au quantitatif.