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Séminaire Doctoral Commun Paris I / Paris IV

Séminaire Doctoral Commun Paris I / Paris IV

L’Œuvre à l’épreuve du texte

2016 – 2017

Equipe organisatrice :
Elliot ADAM, doctorant, Université Paris-Sorbonne (Paris Sorbonne – Paris IV)
Marie BOISSEAU, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Panthéon Sorbonne – Paris 1)
Lydia HAMITI, doctorante, Université Paris-Sorbonne (Paris Sorbonne – Paris IV)
Alice OTTAZZI, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Panthéon Sorbonne – Paris 1)

Pour sa huitième année consécutive, le séminaire doctoral commun aux universités Paris 1 et Paris IV envisage la perméabilité des liens entre les œuvres et les textes. « L’œuvre à l’épreuve du texte », le thème retenu cette année, propose de considérer le texte selon trois angles d’approche distincts, complémentaires et identifiables au travers des notions de médium, de forme et d’outil.
De nombreux artistes se sont intéressés à l’écriture ; leurs écrits théoriques ou littéraires et leurs bibliothèques en témoignent. Dans cette optique, il convient de distinguer la place de l’écriture dans l’œuvre : est-ce une occupation annexe à l’activité artistique ou bien intègre-t-elle pleinement le processus créatif ? Les traités, essais, correspondances et manifestes seront mis à contribution afin de discuter ces propositions.
Également entendu comme un objet plastique, pourvu de lettres, le texte peut prendre une part active à l’œuvre à laquelle il est intégré. Les rapprochements formels et stylistiques des textes et des œuvres, observables grâce aux lignes ou à l’insertion de l’écriture dans l’art (estampe, dessin, peinture, sculpture, etc.) nous intéressent particulièrement. Cette présence du texte, notamment par le biais du titre et de la signature, s’objective au point de créer de nouvelles disciplines, telle la génétique. La mise en image des textes participe enfin de cette dynamique : les lectures iconographiques, privilégiant une approche comparative, inscrivent le rapport de l’image au texte selon différentes modalités. Il convient dès lors de distinguer leurs statuts respectifs : doit-on parler d’une subordination de l’image ou texte ou, au contraire, d’une équivalence de l’écrit et du figuré ?
Ces apports historiographiques, constitutifs de nos lectures des œuvres, sont aussi déterminés par l’étude de la réception critique pensée au moyen d’appareils discursifs appropriés. Qu’apporte l’acte d’écrire à l’expérience du regard ? Comment les écrivains ont-ils commenté l’art ? De quelle façon les textes interfèrent dans notre appréhension des œuvres ? Comment répondre aux enjeux de la censure, de lisibilité et de l’illisibilité ainsi qu’au problème de l’accès aux sources? En ouvrant possiblement sur le théâtre, la performance ou encore le cinéma, quelles sont les porosités entre les arts du temps et de l’espace ? Ce sont là quelques-uns des axes, non exhaustifs, que nous vous proposons d’aborder cette année.

Programme

12 janvier 2017, 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert

Emilie ROBERT (Université Paris 1)
L’usage du texte dans l’art conceptuel : enjeux, limites et perspectives
Anthi-Danaé SPATHONI (Université Rennes 2)
Cy Twombly, entre écrire et dessiner

9 février 2017, 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert

Emeline SALLÉ DE CHOU (Université Paris 1)
Enluminures du XVIe siècle. Du texte comme addendum exégétique au texte comme composant actif d’une œuvre apotropaïque
Cathleen ROBITAILLE (Université Paris 1)
Montrer l’indicible, illustrations fantastiques au XIXe siècle

9 mars 2017
, 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert

Johannes SCHWABE (Université Paris 1 / Berlin, Humboldt Universität)
« Faute d’une langue universelle … » La relation entre image et texte dans le genre de la description de tableau au XVIIe siècle. Une étude de cas autour d’Henri Testelin
Ginevra ODONE (Nancy, Université de Lorraine/Rome, La Sapienza)
Quand le sujet de la recherche en histoire de l’art n’est pas l’objet artistique
Marie BOISSEAU (Université Paris 1)
Quand y a-t-il Pietà ?

13 avril 2017
, 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert

Magdalena SAWCZUK (Université Paris IV)
L’orphisme entre échanges et rivalités. Les artistes russes et américains contre le milieu parisien
Jean-Rémi TOUZET (Université Paris-Ouest-Nanterre-La-Défense)
Les modèles littéraires de Gerhard Richter pour penser la création artistique dans l’histoire

11 mai 2017 (en partenariat avec l’EHESS), 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert
Clara GUISLAIN (Université Paris 1)
Discours sur la forme, forme du discours. Fonctions et statuts de l’écrit d’artiste chez Mike Kelley
Benoît JODOIN (EHESS/Université du Québec à Montréal )
Faire usage des savoirs. Etude sur la présence des textes d’idées dans l’art contemporain
Sandy BERTHOMIEU (Université Montpellier III)
Création et enjeux de l’expression de l’œuvre d’art à travers les réseaux sociaux

8 juin 2017, 18h00-20h00, salle Jullian, Galerie Colbert

Barbara JOUVES (Université Paris 1)
Ecriture et restauration des peintures aux XVIIIe et XIXe siècles. La recherche d’une pérennité de l’objet ?
Laetitia PICHEAU (Université Paris 1)
L’écriture pour une restauration  fantasmée de la galerie François Ier

Appel à communication / Séminaire Doctoral Commun Paris I / Paris IV – année 2016-2017

Appel à communication / Séminaire Doctoral Commun Paris I / Paris IV

L’Œuvre à l’épreuve du texte

2016 – 2017

Date limite pour envoyer une proposition : 23 novembre 2016

Pour sa huitième année consécutive, le séminaire doctoral commun aux universités Paris 1 et Paris IV envisage la perméabilité des liens entre les œuvres et les textes. « L’œuvre à l’épreuve du texte », le thème retenu cette année, propose de considérer le texte selon trois angles d’approche distincts, complémentaires et identifiables au travers des notions de médium, de forme et d’outil.

De nombreux artistes se sont intéressés à l’écriture ; leurs écrits théoriques ou littéraires et leurs bibliothèques en témoignent. Dans cette optique, il convient de distinguer la place de l’écriture dans l’œuvre : est-ce une occupation annexe à l’activité artistique ou bien intègre-t-elle pleinement le processus créatif ? Les traités, essais, correspondances et manifestes seront mis à contribution afin de discuter ces propositions.

Également entendu comme un objet plastique, pourvu de lettres, le texte peut prendre une part active à l’œuvre à laquelle il est intégré. Les rapprochements formels et stylistiques des textes et des œuvres, observables grâce aux lignes ou à l’insertion de l’écriture dans l’art (estampe, dessin, peinture, sculpture, etc.) nous intéressent particulièrement. Cette présence du texte, notamment par le biais du titre et de la signature, s’objective au point de créer de nouvelles disciplines, telle la génétique. La mise en image des textes participe enfin de cette dynamique : les lectures iconographiques, privilégiant une approche comparative, inscrivent le rapport de l’image au texte selon différentes modalités. Il convient dès lors de distinguer leurs statuts respectifs : doit-on parler d’une subordination de l’image ou texte ou, au contraire, d’une équivalence de l’écrit et du figuré ?

Ces apports historiographiques, constitutifs de nos lectures des œuvres, sont aussi déterminés par l’étude de la réception critique pensée au moyen d’appareils discursifs appropriés. Qu’apporte l’acte d’écrire à l’expérience du regard ? Comment les écrivains ont-ils commenté l’art ? De quelle façon les textes interfèrent dans notre appréhension des œuvres ? Comment répondre aux enjeux de la censure, de lisibilité et de l’illisibilité ainsi qu’au problème de l’accès aux sources? En ouvrant possiblement sur le théâtre, la performance ou encore le cinéma, quelles sont les porosités entre les arts du temps et de l’espace ? Ce sont là quelques-uns des axes, non exhaustifs, que nous vous proposons d’aborder cette année.

Cet appel à communication s’adresse aux doctorants de toutes les disciplines (histoire de l’art, littérature, etc.), dans une dimension transversale et diachronique et sans condition géographique. Indépendamment de l’avancement de leur thèse, sont invités tous ceux qui souhaitent partager et approfondir, d’un point de vue méthodologique, certaines problématiques rencontrées lors de leurs recherches.

• MODALITÉS DE PARTICIPATION

Les propositions de communication (2000 signes environ) sont à envoyer à l’adresse suivante : seminairedoctoralcommun@gmail.com avant le 23 novembre 2016. Les communications auront une durée approximative de trente minutes. Nous vous remercions de préciser vos disponibilités au cas où vous ne pourriez être présents lors d’une des séances détaillées dans le calendrier ci-dessous.

• ÉQUIPE ORGANISATRICE

Marie BOISSEAU, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Panthéon Sorbonne – Paris I)
Lydia HAMITI, doctorante, Université Paris-Sorbonne (Paris Sorbonne – Paris IV)
Alice OTTAZZI, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Panthéon Sorbonne – Paris I)

DATES DES SÉANCES

Toutes les séances se tiendront le jeudi de 18h à 20h, dans la salle Jullian, Galerie Colbert, 1er étage (2 rue Vivienne, 75002 Paris).

Séance 1 : 08 décembre 2016

Séance 2 : 12 janvier 2017

Séance 3 : 09 février 2017

Séance 4 : 09 mars 2017

Séance 5 : 13 avril 2017

Séance 6 : 11 mai 2017

Séance 7 : 08 juin 2017

Le séminaire sera clôturé par une journée d’étude organisée au mois de juin 2017.

SEMAINE DE LA RECHERCHE: 17,18,19 & 20 mai 2016 Galerie Colbert – Salles Jullian et Perrot

La première Semaine de la recherche s’inscrit dans l’offre de formation de l’ED441 Histoire de l’art. Les enseignements proposés durant cette semaine s’intègrent à la scolarité doctorale et sont validés en crédits ECTS*.

Chaque journée, 3 ateliers de 3 heures sont proposés et animés par un(e) professeur(e) de l’École doctorale. Les ateliers sont structurés autour de l’intervention de l’enseignant- chercheur sur l’un de ses chantiers de recherche mettant en évidence les aspects transversaux (méthodologique ou thématique) pouvant concerner l’ensemble des doctorants de l’ED. Lors de cette séance, l’enseignant-chercheur peut inviter une/des personnalité(s) du domaine qui fera partager aux doctorants son expertise de professionnel de la recherche. Les doctorants participent activement aux débats et contribuent à la construction d’une vision plurielle de l’histoire culturelle et sociale de l’art.

* Pour valider le module « Séminaires » du parcours doctoral, le doctorant doit participer à 3 ateliers dans la semaine.

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Programme en pdf

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MARDI 17 MAI 2016

9h00 – 12h00, Michel Poivert (salle Jullian)

OPUS/CORPUS: LE VOYAGE AUTOUR DU MONDE D’ALBERT KAHN

Invitée: Valérie Perlès, directrice du musée Albert Kahn

Dans le cadre des travaux menés par le comité scientifique du musée Albert Kahn, nous examinons le corpus inédit du « Voyage autour du Monde » (1908 – 1909) d’Albert Kahn, dont l’opérateur Albert Dutertre a produit plusieurs centaines de vues stéréoscopiques. De la France aux États-Unis puis au Japon, ce voyage inaugure un mode de découverte du monde qui devient quelques années plus tard le grand projet des Archives de la planète. Le corpus est ici en noir et blanc, à la différence de l’usage des plaques couleurs autochromes que Kahn privilégie aux côtés du film pour les Archives de la planète.

La réflexion conduite sur la base de l’examen de cette production séminale repose sur deux ressorts: la compréhension d’une culture visuelle de l’instantanéité, un travail de contextualisation pour mesurer l’originalité de l’approche du couple Kahn-Dutertre au regard de l’histoire de la photographie. Étude iconographique aussi: il convient d’interpréter les sujets choisis par les voyageurs: questions sociales, architectures, exercices formels, etc.

Cette enquête autour du monde à l’époque 1900 trouble notre regard d’historien d’art et de la photographie: les frontières semblent poreuses entre pratique vernaculaire des amateurs en voyage et œuvres reconnues des photographes de l’époque. Comment comprendre le moment où le corpus se transforme en opus ? Le vernaculaire en œuvre.

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13h00 – 16h00, Emmanuel Pernoud (salle Jullian)

L’ESPACE INTÉRIEUR DANS L’ART

Empruntée au roman policier, la notion de «chambre close» peut servir à dessiner une certaine histoire de l’espace intérieur dans l’art et le discours sur l’art, entre le XIXe et le XXe siècles. On abordera cette question par les représentations picturales du lieu privé: les images produites par des artistes célèbres pour leurs scènes d’intérieurs (entre autres Vuillard, Munch, Vallotton, Hammershøi) seront rapprochées des romans de détection et de sciencefiction qui prospèrent au tournant du siècle, avec les noms de Wells, Conan Doyle et Leroux.

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16h00 – 19h00, Dominique Poulot (salle Jullian)

PERSPECTIVES DE RECHERCHE SUR LES PERIOD-ROOMS

Dans les musées, les salles de contexte historique ou period rooms, à la mode depuis la fin du XIXe siècle, avaient été progressivement abandonnées à partir des années 1930 – 1940 au profit de dispositifs plus conformes au credo muséographique moderne – jusqu’à l’hégémonie du white cube des décennies 1960–1970. Elles refont surface aujourd’hui dans maintes institutions, européennes ou américaines, rhabillées, reconsidérées, et souvent rebaptisées. Enfin de nombreux artistes contemporains font usage de ces dispositifs au sein d’installations diverses, ouvrant des dialogues souvent provocateurs et critiques. Les perspectives de recherche sur ces phénomènes sont multiples. Les spécialistes de culture matérielle ou d’histoire de la restauration se penchent sur les vicissitudes de ces installations et de leurs artefacts. Les historiens des arts décoratifs peuvent non seulement repérer les provenances des éléments de décor et des objets, mais aussi mettre au jour les modèles à l’œuvre dans les demeures de collectionneurs, les types d’intérieurs, les processus commerciaux et les jeux de l’expertise qui déterminèrent leurs trajectoires souvent compliquées. Les historiens des musées s’intéressent aux débats muséologiques, ainsi qu’à l’histoire du goût engagé dans ces reconstitutions, dans sa relation à la mélancolie post-moderne. On donnera un aperçu de ces différents aspects à l’échelle internationale.

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16h00 – 19h00, Mercedes Volait (salle Jullian)

LES DÉCORS ORIENTALISTES AU XIXE SIÈCLE OU LES NOUVEAUX TERRITOIRES DE L’HISTORICISME

C’est généralement au sein de l’architecture domestique, c’est-à-dire dans la sphère privée, que les salles de style ou d’époque ont vu le jour, avant de connaître éventuellement une seconde vie au musée lorsqu’elles y ont été remontées. Un chantier en cours sur un ensemble de décors orientalistes créés dans le dernier tiers du XIXe siècle et le début du XXe siècle par des collectionneurs d’art islamique actifs en Égypte et en France permet de saisir au plus près la fabrique matérielle de ces intérieurs par le biais de moulages et de remplois et les conduites sociales dans lesquelles ils s’inscrivent. La recherche montre que ces «œuvres d’art total» ne sont pas seulement des démonstrateurs de distinction, mais aussi une forme, genrée, d’invention de soi et l’expression privilégiée de nouvelles masculinités à l’orée de la modernité. Elle invite plus largement à repenser la question de «l’exotisme» et du dépaysement, et par ricochet la théorie postcoloniale appliquée à l’orientalisme.

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MERCREDI 18 MAI 2016

9h00 – 12h00, Pascal Rousseau (salle Perrot)

COMMUNICATIONS: ART, EMPATHIE ET TECHNOLOGIES

Où il sera question d’analyser comment, historiquement, les arts des XIXe et XXe siècles (arts visuels, musique, architecture, arts vivants confondus) ont été intrigués sinon obsédés par la recherche d’une performance des échanges et qu’ils se sont, pour cela, appuyés largement sur des modèles croisant imaginaires des technologies de la communication et protocoles de psychologie expérimentale.

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13h00 – 16h00, Philippe Dagen (salle Jullian)

« PRIMITIVISMES »

La séance traitera de plusieurs façons des «primitivismes» et de leurs rapports avec les avant-gardes occidentales et la création actuelle. Une première partie sera consacrée à l’exposé de quelques recherches et problématiques issues de mes travaux en cours, entre autres sur la place de la préhistoire dans ces «primitivismes». La deuxième confrontera les méthodes et les apports de deux recherches doctorales en cours d’achèvement : l’une sur les notions de «populaire» et de «naïf», l’autre sur les relations du surréalisme avec une certaine idée du «sauvage». La troisième, en dialogue avec Maureen Murphy, s’attachera à des questions touchant à la définition et la présentation de la création «non-occidentale» – et plus particulièrement africaine – dans le monde de l’art supposément « mondialisé » d’aujourd’hui.

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16h00 – 19h00, Étienne Jollet (salle Jullian)

LE FOND DE L’ŒUVRE: DE LA MÉTAPHORE À L’OUTIL HEURISTIQUE

On s’intéressera au phénomène récurrent que constitue, dans diverses langues européennes, le lien existant entre les acceptions topographique et causale des termes traduisant la notion de fond, désignant à la fois l’arrière-plan et le fondement: il en va ainsi pour fondo en italien, fundo en espagnol, ground en anglais, Grund en allemand. Que signifie la stabilité de ce lien? Doit-on le réduire à un effet sémantique d’ordre métaphorique, dans lequel on part du donné visuel (topographique) pour aller vers la valeur abstraite (la causalité)? Ou bien peut-on tenter d’en mesurer la puissance heuristique dans le champ des arts visuels, permettant de mieux connaître des mécanismes spontanés qui associent le fond et la figure, l’action, la narration, si importantes dans l’art occidental? Il faudra alors s’interroger sur le lien réciproque existant entre l’image dans la langue et le discours dans la représentation visuelle et ce, à partir d’un objet, le fond, qui, contrairement à ce qui appelle l’identification (la figure, l’action, la narration), interroge la possibilité même de la dicibilité de l’art. L’histoire de l’art, cette mise en mots de l’oeuvre, devrait donc accepter un régime modalisé, entre certitude et incertitude, dans l’œuvre comme dans le discours qui est censé en rendre compte.

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JEUDI 19 MAI 2016

9h00 – 12h00, Colette Nativel (salle Jullian)

Cet atelier vise à montrer différentes facettes de la recherche en histoire de l’art en Europe. Frederik Knegtel, doctorant de l’université de Leyde, et Alexander Dencher, lui aussi néerlandais, mais doctorant à Paris 1, présenteront leurs recherches et activités dans le cadre des deux universités. Un second volet visera à montrer les collaborations qui peuvent s’instaurer entre la recherche dans les musées et la recherche à l’université. Sophie Andrieu (MAHJ), Matthieu Léglise (Paris 1), Matthieu Somon (Paris 1), Sonia Fellous (IRHT–CNRS, sous réserve), organisateurs de la récente exposition Moïse qui a eu lieu au MAHJ et du colloque qui lui a été associé (Paris 1, Centre allemand d’histoire de l’Art, MAHJ), évoqueront ensemble ces collaborations.

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13h00 – 16H00, Jean-Philippe Garric (salle Jullian)

Cette séance s’organisera autour de la présentation de mes travaux en cours, dans le cadre de la préparation de l’exposition Charles Percier (1764–1838). Architecture et design au temps des révolutions, inaugurée au Bard Graduate Center à NY en novembre 2016 et au château de Fontainebleau en mars 2017. Cet architecte n’a jusqu’à présent jamais fait l’objet d’une exposition ou d’une monographie qui donne de sa production une idée d’ensemble. Cette lacune s’explique par deux difficultés majeures: d’une part, l’impossibilité de le résumer à sa collaboration au service de Napoléon avec Pierre Fontaine, doublée de la complexité de le séparer de lui; de l’autre, le caractère déconcertant d’une implication dans de nombreux domaines, parfois éloignés de son métier d’architecte, qui jette le trouble sur la nature réelle de son activité. Ces deux écueils induisent le double choix de traiter Percier sans Fontaine et d’insister sur la diversité de ses terrains d’action (architecture, mobilier, décoration intérieure, ornement) et sur son éclectisme, à partir d’une analyse approfondie de son œuvre graphique considérée comme la matrice de son œuvre.

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16h00 – 19h00 / Philippe Morel (salle Jullian)

ACTUALITÉ DE LA RECHERCHE DOCTORALE: LES BACCHANALES ET LE RIRE DANS L’ART DE LA RENAISSANCE ET AU-DELÀ

Avec la participation de Francesca Alberti et de Sara Vitacca

Cette séance vise d’abord à mettre en valeur les prolongements de recherches conduites au sein de l’école doctorale et par ses membres, à travers deux manifestations qui s’adressent à un large public, et elle tend à souligner le caractère transhistorique et interdisciplinaire de certains axes de réflexion. L’exposition Bacchanales! Le nu, l’ivresse et la danse au XIXe siècle, actuellement présentée à Bordeaux et bientôt à Ajaccio, dont Sara Vitacca, doctorante à Paris 1 (dir. P. Wat), est l’un des deux commissaires scientifiques (catalogue publié par Silvana Editoriale); et le Festival d’histoire de l’art de Fontainebleau dont le thème de cette année est le rire, avec un comité scientifique dont Francesca Alberti a été un élément moteur, après avoir consacré sa thèse de doctorat à La peinture facétieuse. Du rire sacré de Corrège aux fables burlesques de Tintoret (soutenue en 2013 à Paris 1 et publiée en 2015 aux éditions Actes Sud). Elles viendront l’une et l’autre présenter ces deux champs de recherche et ces deux manifestations, auxquels je participe notamment sous la forme de deux contributions que j’exposerai à l’occasion de cette séance.

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VENDREDI 20 MAI 2016

9h00 – 12h00, Pierre Wat (salle Jullian)

Cette séance s’organisera en trois temps. Je présenterai mes recherches en cours, autour de la notion de « tragédie du paysage », dédiée à l’étude du paysage perçu comme lieu de l’enfouissement d’une histoire tragique. Dans un second temps, deux doctorantes, Sara Vitacca et Emma Cauvin, feront une présentation croisée de leurs travaux, autour de la question des mythes d’artistes. Sara Vitacca travaille sur le michelangelisme en Europe dans le dernier tiers du XIXe siècle, Emma Cauvin sur la construction de la légende de Monet dans l’historiographie. Cette présentation mettra l’accent sur convergences et divergences méthodologiques. Ce débat aura lieu en présence de François-René Martin, professeur d’histoire générale de l’art à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, qui interviendra d’abord comme répondant, avant de présenter son travail en cours sur Ingres et Raphaël, en mettant l’accent sur cette même question du mythe.

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13h00 – 16h00, Thierry Lalot (salle Jullian)

L’après-midi sera consacrée à la présentation d’un état des lieux de la recherche en conservation-restauration au sein de la composante: délimitation du champ, orientations thématiques, rapports à d’autres domaines… S’il s’agit d’appuyer cette présentation sur les travaux des doctorants, post-doctorants et titulaires de la composante, la méthode consiste à placer l’ensemble de ces productions scientifiques sous un regard critique visant à souligner leurs contributions à l’histoire, la logique et la portée de la conservation- restauration. La forme retenue consistera donc, après une brève introduction, en un programme d’exposés synthétiques des travaux de recherche. À l’issue de chaque présentation ou de plusieurs, un temps sera offert à la discussion afin de débattre des points d’épistémologie mentionnés précédemment.

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16h00 – 19h00 / Agnes Devictor (salle Jullian)

ÉVOLUTION D’UNE RECHERCHE: INTRODUCTION À UN WORK IN PROGRESS SUR LES REPRÉSENTATIONS DE LA GUERRE IRAN-IRAK

Cet atelier vise à présenter comment une recherche finalisée – portant sur la façon dont la guerre Iran-Irak (1980–1988) a été mise en scène dans des films de fiction durant le conflit et sur la façon dont se sont élaborées des figures de combattants musulmans et du martyre – évolue en gardant le même sujet (la guerre Iran-Irak et ses représentations en Iran) mais en changeant de supports (musées, peintures murales) et de temporalités (pendant / après la guerre). Il montrera aussi, à partir d’autres retours de terrains (Afghanistan, Liban) comment ces problématiques peuvent s’enrichir de la mise en rapport d’autres études de cas. Dans la présentation de cette nouvelle recherche, il s’agira de réfléchir, à partir d’extraits de films, de peintures murales et de choix muséographiques, à la plasticité de ces représentations avec des doctorants qui travaillent dans le domaine de l’histoire du cinéma, de la muséologie, de l’architecture et de l’espace urbain, et qui, plus largement, interrogent les choix formels dans la représentation d’événements politiques et historiques.

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Organisateurs

Michel Poivert, directeur de l’ED 441 Histoire de l’art

Zinaïda Polimenova, responsable administrative de l’ED 441 Histoire de l’art

En partenariat avec le Centre de recherche HiCSA, université Paris 1 Panthéon Sorbonne

Informations

ED441 Histoire de l’art,
université Paris 1 Panthéon Sorbonne Semaine de la recherche
17,18,19 & 20 mai 2016

Galerie Colbert – Salles Jullian et Perrot
2, rue Vivienne 75002 Paris
Métro Bourse (ligne 3) ou Palais Royal (ligne 1, 7)

Séminaire doctoral commun Paris I – Paris IV – Programme 2015-2016

Nous avons le plaisir d’annoncer le lancement de la septième édition du Séminaire doctoral commun Paris 1 – Paris 4 pour l’année 2015-2016. Vous trouverez ci-dessous le thème de l’année, l’appel à communication et le calendrier des séances.

 

La séance du lancement aura lieu jeudi prochain, le 12 novembre 2015, de 18h à 20h dans la salle Jullian.

Pour rappel, c’est un séminaire méthodologique mensuel, porté par les doctorants pour les doctorants, avec le soutien des deux plus grandes Ecoles doctorales d’histoire de l’art en France. Pour information, le séminaire peut être validé dans l’axe 3 (« Outils et méthodologie ») du parcours doctoral de l’ED 441.

APPEL A COMMUNICATION
SEMINAIRE COMMUN PARIS 1 / PARIS IV
2015 – 2016

COMPARAISON EST-ELLE RAISON ?
Approches comparatives en histoire de l’art

http://seminairedoctoralp1p4.wordpress.com

Affiche Séminaire doc_ commun_2015-2016

« Il n’y a rien que l’esprit humain fasse si souvent, que des comparaisons […]. Par tous ces examens il tâche de découvrir les relations que les objets ont entre eux », écrit le Chevalier de Jaucourt dans l’article « Comparaison » de l’Encyclopédie.
Pour la septième année consécutive, les écoles doctorales d’histoire de l’art des universités Panthéon-Sorbonne (Paris-I) et Paris-Sorbonne (Paris-IV) organisent le séminaire doctoral commun, à destination de tous les doctorants de cette discipline. Il se veut l’occasion de réflexions méthodologiques concernant les principaux aspects du projet de thèse, de la recherche à la soutenance voire au-delà.
Cette année, nous nous interrogerons sur l’emploi des approches comparatives. D’un outil d’identification à la formation d’un système de pensée visuel, la comparaison semble indissociable de l’étude des images et nécessaire au chercheur qui s’intéressent à elles. Distinguer le vrai d’un faux, déterminer l’auteur d’une œuvre, comprendre l’inventivité stylistique d’un artiste ou d’un courant, ou encore définir les composantes iconographiques d’une époque sont autant d’ambitions qui exigent d’y recourir.
Nous trouvant aujourd’hui en plein décloisonnement des champs disciplinaires, et semblant plus éloignés d’une pratique systématique de la méthode comparative, nous n’en sommes pas moins les héritiers. Il nous revient ainsi de nous demander dans quelle mesure ce réflexe cognitif touche à son but : existe-t-il une science historique des images ? Quelles caractéristiques formelles peut-on soumettre à la comparaison ? Selon quels critères ? Toutes les images, tous les contextes de création, de diffusion, de réception sont-ils comparables ? Jusqu’à quel point ce mode de pensée a-t-il valeur d’argument objectif ? À quel moment sommes-nous contraints de recourir à d’autres méthodes ?
Ce sont ces questions et bien d’autres que, sans restriction de sujets et de corpus, de périodes et de genres, nous souhaiterions soulever.

Modalités de participation
Date limite de réponse pour participer au séminaire : 20 décembre 2015
Les propositions de communication (350 mots maximum) sont à envoyer à l’adresse suivante : seminairedoctoralcommun@gmail.com avant le 20 décembre  2015, merci de préciser la séance à laquelle vous souhaitez participer. La communication durera entre 20 et 30 minutes et nous publierons en ligne un texte synthétique de votre intervention (merci de nous le fournir dans les 15 jours suivant la séance (5 – 7 pages))

*  ÉQUIPE ORGANISATRICE
Sung Moon Cho, doctorante, Université Paris-Sorbonne (Paris-IV)
Marion Grébert, doctorante, Université Paris-Sorbonne (Paris-IV)
Clémence Legoux, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Paris-I)
Claire Van Seters, doctorante, Université Panthéon-Sorbonne (Paris-I)

Toutes les séances se tiendront de 18h à 20h.
Galerie Colbert — INHA
Salle Jullian, 1er étage
2, rue Vivienne 75002 Paris

PROGRAMME DU SEMINAIRE COMMUN PARIS I / PARIS IV

SEANCE 1 : LA COMPARAISON COMME MOTEUR DE L’ANALYSE DES ŒUVRES – 10 DECEMBRE 2015
Le travail de l’historien de l’art a été analysé, décortiqué : il en ressort une énumération d’étapes aboutissant à une interprétation de la signification de l’oeuvre et de son sujet. Cette méthode d’analyse iconographique et iconologique a été théorisée, notamment par Aby Warburg et Erwin Panofsky. Dans le cadre de cette analyse nous sommes amenés à mettre en relation une œuvre avec un sujet, des œuvres au projet iconographique commun, des artistes, des techniques, en somme des objets d’étude inscrits dans un cadre spatio-temporel spécifique. En outre, la survivance de l’iconologie peut être perçue dans les recherches sur les liens entre une œuvre plastique et une œuvre littéraire, thématique que nous accueillerons avec grand intérêt.

SEANCE 2 : ANALOGIE ET SIMILITUDES, LA COMPARAISON COMME OUTILS DE PERSUASION – 14 JANVIER 2016
Selon Charlotte Guichard, « la reconnaissance de l’oeuvre est le produit d’une comparaison entre les peintres, dans un jeu d’analogies et de similitudes  ». De fait, l’usage de la comparaison semble bien ancré dans la tradition du connoisseurship, tradition dont nous aimerions questionner la survivance actuelle, entre fantasme et efficacité savante. Notre deuxième séance permettra alors d’étudier la comparaison comme preuve dans les domaines particuliers que sont les attributions, l’expertise et le travail du connoisseurship, les études de corpus disparus, les études monographiques.

SEANCE 3 : OBJETS ET OBJECTIVITE DE LA PENSEE COMPARATIVE – 11 FEVRIER 2016
En prenant la question à rebours, nous nous demanderons de quelle façon la production, la signification ou l’interprétation des images peuvent être a priori déterminées par l’esprit de comparaison lorsque celui-ci se caractérise par sa propension à mêler différents régimes de représentation. On pense notamment aux transferts entre images artistiques et images scientifiques (dans les sciences dures et naturelles, la médecine, la phrénologie ou encore la physiognomonie). Nous pourrons ainsi interroger la pertinence des distinctions entre le vrai et le beau, le discursif et le visuel, et aborder les méthodes systématiques de l’art élaborées par Jacob Burckhardt, Aby Warbug ou Heinrich Wölfflin.

SEANCE 4 : LA DISPOSITION DES ŒUVRES DANS L’ESPACE MUSEAL – 10 MARS 2016
Le voisinage des œuvres dans un lieu n’est pas sans incidence pour l’œil du visiteur, pour qui la comparaison devient obligation : simple juxtaposition, confrontation ou dialogue. Des premiers Salons aux scénographies les plus actuelles, nous nous demanderons comment l’accrochage et la mise en espace en viennent à constituer, en termes historiques, génériques et formels, une interprétation des œuvres exposées et comment l’élaboration de cette interprétation prend place dans le travail du chercheur. Nous souhaitons également que cette séance soit l’occasion d’aborder les études récentes sur la comparaison des expositions. Les doctorants-commissaires seront en outre les bienvenus.

SEANCE 5 : LA PENSEE COMPARATIVE DANS LES DISCOURS SUR L’ART – 14 AVRIL 2016
Que ce soit dans les Vies des artistes…, rédigées par Giorgio Vasari au XVIe siècle, dans la préface des Conférences de l’Académie écrite par André Félibien en 1667, ou encore dans l’Art et les Arts où Theodor W. Adorno évoque l’effrangement des arts exactement trois siècles plus tard, les discours sur l’art sont jalonnés de réflexions visant à construire ou à déconstruire des catégories d’art.
Lors d’approches contextuelles, nous sommes inévitablement confrontés à ces discours qui orientent parfois notre interprétation des oeuvres. C’est pourquoi nous vous invitons ici à intervenir sur ces textes et les difficultés qu’ils posent afin de voir s’ils contiennent, de façon implicite ou explicite, des systèmes comparatifs ayant pu nourrir la présence ou le rejet d’une catégorisation.

SEANCE 6 : LA QUESTION DU GOUT – 12 MAI 2016
La question du goût est de plus en plus présente dans l’histoire de l’art, qui tend à prendre en compte des aspects sociologiques et économiques. Comment mesurer les données de comparaison fluctuantes qui jouent sur la valeur d’une œuvre ou sur la fortune d’un artiste ? Quelles sont les voies par lesquelles un style se diffuse et devient dominant ? Cette séance invite tous ceux qui s’intéressent à l’histoire du goût et à ses acteurs tels que les musées et institutions culturelles, Salons, critiques, commanditaires, collectionneurs et marchands…

SEANCE 7 : LE NUMERIQUE, CONCRETISATION DU « MUSEE IMAGINAIRE » – 9 JUIN 2016
Aujourd’hui, les outils numériques permettent l’accumulation incommensurable d’images dans un espace virtuel, semblant donner vie à des utopies imaginées par des historiens ou des passionnés d’art. Tout en paraissant faciliter le processus comparatif, le numérique nous oblige cependant à réinventer cette pratique en cherchant les moyens d’associer le qualitatif au quantitatif.

Programme journée de rentrée ED441 / 11 janvier 2016 Salle Vasari, Galerie Colbert

Programme journée de rentrée ED441 / 11 janvier 2016

Salle Vasari, Galerie Colbert
9h30 / Ouverture par Michel Poivert, Directeur de l’ED441. Présentation de l’ED et du parcours doctoral

10h00 / Frédéric Keck, Directeur du département de la recherche et de l’enseignement, musée du quai Branly, leçon inaugurale

10h30 / Projets et perspectives, par les doctorants représentants au Conseil de l’ED441 Elodie Baillot, Matthieu Leglise, Marie Piccoli-Wentzo, Olivier Schuwer et Marie-Charlotte Téchené

11h00/ Associations et groupes de recherche pilotés par les étudiants

–        Atelier Renaissances, groupe de recherche réunissant doctorants et master 2 en histoire de l’art italien et européen de la Renaissance, par Cécile Joyet et Youenn Morvan et Fabien Lacouture

–        GRHAM, groupe de recherche en histoire de l’art moderne, par Marine Roberton (doctorante à Paris 1 et Vice-Présidente du GRHAM) et Maxime-Georges Métraux (Paris 4, Président du GRHAM)

–        Absolument contemporain, groupe de recherche en art contemporain, par Viviana Birolli, Hélène Joyeux et Anna Halter

–        ARIP, association de recherche sur l’image photographique, par Marie Auger et Guillaume Blanc

–        Les Trois lumières, association de doctorants en études cinématographiques, par Marie-Charlotte Téchené et Marie Pierre-Bouthier

–        PlayTime, groupe de recherche en histoire de l’architecture et du cinéma, par Marie Gaimard et Margueritte Vappereau

–        HiPaM, groupe de travail en Histoire du Patrimoine et des MuséesElodie Baillot et Andréa Delaplace

–        Regards croisés sur la conservation-restauration, groupe de recherche, par Alric Delaporte

/ Séminaire doctoral commun, 2015-2016, par Claire van Seters (Paris 1) et Marion Grébert (Paris 4)

12h30 / Echanges avec les professeurs de l’ED 441 , avec Etienne Jollet, Philippe Morel, Colette Nativel, Philippe Plagnieux, Michel Poivert, Dominique Poulot

13h00 / Clôture et cocktail au Centre de documentation (1er étage, Galerie Colbert)

Absolument contemporain – présentation

Oeuvres d'art contemporain exposées à la prison Saint Anne en Avignon

Le groupe :

Absolument Contemporain est un groupe de recherche fondé par quatre doctorantes en Histoire de l’Art contemporain de l’Université Paris 1,  désireuses de créer un espace de rencontre, d’échange et de dialogue entre les doctorants et chercheurs dont les différents champs de recherche s’inscrivent dans la période contemporaine (XXe-XXIe siècles).

Pour sa première année, l’activité principale du groupe de recherche s’est concentrée sur l’organisation et l’animation d’un séminaire doctoral annuel consacré aux problématiques actuelles de l’art contemporain. S’adressant aux doctorants en histoire de l’art, le séminaire et les activités du groupe sont également ouverts aux jeunes chercheurs et étudiants de Master, souhaitant s’impliquer dans la vie de la recherche en art contemporain.

Le séminaire :

Pour l’année 2015-2016, le groupe de recherche ​Absolument Contemporain propose un séminaire mensuel (« Art en cours »), invitant des professionnels du milieu de l’art contemporain de différents horizons à venir s’exprimer sur les enjeux et les nouvelles pratiques développées aujourd’hui dans les milieux de l’art contemporain.

L’objectif de ce séminaire est d’impliquer les doctorants dans une série de rencontres et de discussions ouvrant sur les enjeux théoriques et économiques de l’art actuel, mais également de montrer en quoi les professionnels actuels (critiques, commissaires d’expositions, chargés des publics et des collections, consultants en conservation préventive) sont à l’origine de nouvelles propositions, de nouveaux modèles économiques et de nouvelles façons d’envisager l’art d’aujourd’hui et de demain. Ce séminaire tend ainsi à créer un lieu de rencontre et à favoriser le dialogue interprofessionnel entre les jeunes chercheurs en histoire de l’art et les acteurs de la création actuelle : deux univers qui, bien que partageant les mêmes objets, méritent de se rencontrer davantage sur le terrain universitaire.

Les membres :

Viviana BIROLLI, Anna HALTER, Hélène JOYEUX, Morgane WALTER

Contacts :

HiPaM – Présentation

L’HiPaM, groupe de recherche en Histoire du Patrimoine et des Musées, se définit comme un espace de rencontres et de partages destiné tant aux doctorants qu’aux enseignants-chercheurs, aux professionnels du musée et de la culture ou aux étudiants de master. Il a pour ambition, à travers les communications des différents intervenants, d’ouvrir sur un panorama des recherches actuelles dans la discipline de l’histoire des musées et du patrimoine et toute recherche qui entreprend l’étude des phénomènes de patrimonialisation.

Image HiPam

Chaque année, l’HIPAM se donne une thématique particulière d’étude et organise différents ateliers comme des séminaires mensuels, une journée d’étude, des conférences.

L’HIPAM est né en 2011 à l’initiative de deux doctorantes de l’École Doctorale 411 Histoire de l’art de Paris 1 Panthéon – Sorbonne, Anne-Lise Auffret et Carolina Ruoso, avant d’être rejointes en 2012 par Andrea Delaplace et Xavier-Pol Tilliette. Aujourd’hui, l’HIPAM est toujours soutenu par l’École Doctorale tandis que le comité d’organisation se renouvelle d’année en année.

Pour plus d’informations:
Le site de l’HiPaM
Le lien facebook

ARIP – Présentation

L’ARIP est une association de recherche qui a été créée en 2007 par deux doctorantes de Paris 1 spécialisées en histoire de la photographie. Sa dynamique a été relancée en mars 2014 et elle accueille aujourd’hui des étudiants et chercheurs venus de nombreuses universités ainsi que de nombreuses disciplines, mais aussi des professionnels de la photographie, des conservateurs et artistes. Cela correspond tout à fait à la volonté de l’ARIP de porter un regard large sur notre objet commun, qui est la photographie, et en filigrane, sur la question plus générale de l’image. Cela correspond aussi à notre choix d’y répondre sur le mode collectif, dans un espace bienveillant où les expériences et les savoirs sont mutualisés au profit de tous.

L’organisation de l’association revient à un bureau collégial, élu chaque année mais aussi ouvert aux aléas des agendas particuliers. La souplesse et l’horizontalité font partie des principes que porte l’ARIP et qui infusent ses pratiques, ce qui permet à chacun de s’y investir comme il le peut, mais aussi de voir l’organisation de l’association réajustée en fonction des besoins et des expériences. Nos membres sont en en effet systématiquement sollicités pour les modifications concernant l’organisation de l’association. C’est d’ailleurs pour cette raison que nous réservons plusieurs rencontres par an à un temps de discussion libre où chacun peut exprimer ses souhaits et faire ses propositions.

Activités

Les ateliers mensuels 

Le cœur de nos activités est constitué par les « ateliers de l’ARIP », qui sont le fruit d’une réflexion menée à la suite d’une première année d’expérience. Nous avions en effet commencé, en 2014-2015, par un séminaire plus académique qui ne nous paraissait pas répondre suffisamment aux attentes de nos membres malgré la qualité des communications. C’est pourquoi nous nous sommes tournés aujourd’hui vers une formule plus participative et ouverte. Il s’agit de rencontres mensuelles où nous cherchons à interroger des problématiques méthodologiques transversales et à y répondre ensemble. Y sont présentées des communications sélectionnées sur la base d’un appel. Elles ont pour objectif, après une brève présentation de la recherche et de ses sources, de mettre en avant des questionnements méthodologiques. Ils sont souvent d’un ordre général pour des historiens de l’art : on y traite par exemple la question de la constitution du corpus, celle de la dissémination des archives ou encore celle de l’engagement du jeune chercheur. Ces courtes présentations sont suivies d’une discussion plus longue avec les membres présents, où chacun est invité à exprimer un point de vue personnel en faisant le lien avec ses recherches. Le déroulement de ces ateliers a en effet été pensé pour permettre aux auditeurs de s’approprier le problème méthodologique présenté, tout en participant à la construction du projet scientifique de l’intervenant.

 Les chantiers de recherche 

En parallèle de ces ateliers, l’ARIP donne l’opportunité de développer d’autres projets scientifiques communs, aux intérêts scientifiques plus précis, comme c’est le cas pour nos deux chantiers de recherches animés par les membres. Bien que rattachés globalement aux activités et au cadre de l’ARIP, ils fonctionnent en autonomie par rapport à elle et leurs bureaux ne sont pas nécessairement superposés à celui de l’association.

L’un s’intitule Photo/savoirs/critiques ; il vise à sonder l’apport potentiel des critical studies anglo-saxonnes dans les études sur la photographie, dans le but d’explorer les fondements d’une politisation des discours sur la photographie. Il a abouti à l’organisation d’une journée d’études intitulée (Re)politiser les discours sur la photographie, tenue le 7 décembre à l’Université Paris-Diderot. Au long de l’année, ses rencontres prennent la forme d’ateliers de lecture ou de discussions au cours desquels s’élabore le développement d’un travail réflexif sur nos approches scientifiques.

L’autre, intitulé Import/Export. Aux sources du langage sur la photographie est né de l’envie d’enquêter sur la formation du langage dont nous faisons usage pour parler de photographie et sur la manière dont ce langage a défini un champ disciplinaire d’études. Il avait initialement pour but de mettre en place un vocabulaire historique, critique et épistémologique collaboratif autour d’entrées spécifiques comme, par exemple, l’expression « medium photographique » ou encore celle d’ « acte photographique ». À ce projet, encore en cours de construction et que nous souhaitons lancer véritablement en 2016-2017, s’est annexé un cycle d’entretiens. Intitulé Import/Export. Les voix de la photographie 1960-1990, il se veut interroger les acteurs de la reconnaissance institutionnelle de la photographie. Cela nous permet de comprendre, à travers une enquête sur les expériences personnelles, comment à la question du langage s’adosse celle des actes dans la mécanique de la reconnaissance officielle de la photographie.  Ces entretiens ont vocation à être publiés en recueil, accompagnés d’une introduction historique et d’un appareil critique et informatif.

Activités ponctuelles 

Parallèlement à ces trois modes de rencontre régulières, s’ajoutent parfois des activités plus ponctuelles, qui sont intégrées au calendrier de l’ARIP selon les propositions des membres, et pas nécessairement organisées par le bureau de l’association. C’est le cas, par exemple,  d’une séance commune organisée avec l’HiPAM (le groupe de recherche en histoire du patrimoine et des musées), où nous avons reçu Pascal Beausse, responsable des collections photographiques du CNAP et Jean-Gabriel Lopez, photographe, commissaire et restaurateur, autour de la question des enjeux politiques d’une collection de photographies. Nous avons aussi organisé une excursion à Chalon-sur-Saône où nous avons été reçus Musée Nicéphore Niépce pour une visite de ses collections.

L’ARIP a plus généralement vocation a être un lieu de rencontre pour y voir naître tous types de projets ou activités liés à la photographie et son étude.

Une autre dimension importante de l’association est sa volonté de transparence et d’horizontalité, qui passe nécessairement par une bonne diffusion de nos informations et conséquemment, par l’existence d’une plateforme de diffusion. C’est le rôle qui a été donné à notre carnet de recherche, lancé sur Hypotheses et inscrit depuis quelques mois au catalogue de cette plateforme scientifique. Ce carnet s’articule essentiellement autour de deux volets, l’un étant dédié à la diffusion de nos informations et à la constitution d’archives de nos activités, l’autre à la publication de billets rédigés par les membres.

Information

Toutes nos rencontres font en effet systématiquement l’objet d’un compte-rendu. Celui-ci a bien sûr pour but de conserver une trace de nos activités, mais aussi de permettre à ceux qui ne peuvent y participer de se tenir informés. Il est rédigé par un membre présent en réuinon sur la base du volontariat, puis déposé en ligne sur le GoogleDrive de l’association. Chacun peut y apporter ses ajouts ou corrections, et nous le publions ensuite sur le carnet après ces quelques jours d’édition.

Dans le même esprit, nous avons ouvert une rubrique « Actualités de nos membres », qui permet la diffusion d’annonces relatives à leurs activités, comme une journée d’études ou une publication. Le carnet de recherche ayant l’avantage d’être syndiqué par la plateforme Culture Visuelle, il offre une bonne audience. Nous transmettons aussi les informations publiées sur le carnet via notre page facebook, qui comporte plus de 600 inscrits.

Publications

Le volet publication constitue quant à lui l’autre raison d’être de notre carnet de recherche. Il est possible, pour les membres de l’ARIP, de soumettre une proposition de billet à un comité de relecture. Il est composé de deux relecteurs de base, qui ont la responsabilité de la boîte mail dédiée aux contributions (contribution.arip@gmail.com). Ils anonymisent l’envoi avant de le soumettre au comité de relecture pour une relecture en double aveugle. Sur la base du volontariat, les deux premiers membres du comité qui se proposent pour la relecture prennent en charge la correction. Elle se fait au choix selon deux modes, que le contributeur doit préciser : le mode « billet », qui se traduit par des corrections d’ordres orthographique, typographique ou syntaxique ; ou le mode « article », qui demande un travail de fond sur la réflexion de l’auteur. Là encore, ces publications sont bien relayées et rencontre une certaine audience.

L’ARIP est une association ouverte et bienveillante, moins destinée à être une plateforme de reconnaissance qu’un lieu où s’élabore en commun une pensée sur la photographie et sur les images. Son organisation est pensée autour de ces principes et nous cherchons toujours à l’adapter au mieux aux besoins de nos membres et plus généralement, du champ disciplinaire qui est le nôtre.

Contact: https://arip.hypotheses.org

GRHAM – présentation

Le GRHAM est une association d’étudiants en histoire de l’art moderne dont la volonté est de
rassembler les différents acteurs de la recherche dans ce domaine, qu’ils soient membres, ou non, de la communauté scientifique. Le GRHAM a notamment pour but de proposer des rencontres autour de visites, de conférences et d’un séminaire mensuel.

Temps de sociabilité et d’émulation, ces rencontres sont l’occasion d’échanger autour de thématiques communes liées aux études en histoire de l’art, culture visuelle et, plus généralement, en sciences sociales des XVIIe et XVIIIe siècles.

L’association a également pour but de fédérer les différents acteurs du milieu de l’art moderne, en France comme à l’étranger, et de permettre ainsi de créer une dynamique de questionnement commune et bénéfique à tous.

Pour toute information complémentaire, vous pouvez nous contacter à l’adresse suivante : asso.grham@gmail.com.

https://grham.hypotheses.org

Assemblée générale de l’A.D.H.A

Chaque année, l’Association des Doctorants en Histoire de l’Art a le plaisir de vous convier à l’assemblée générale de l’association qui se tiendra cette année le mercredi 4 janvier 2017 à 17h00 à l’INHA. A l’ordre du jour, seront présentés le bilan de l’année 2016 et les projets pour l’année 2017.